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Cristina Boccadoro - Artista - Sus obras

Cristina Boccadoro - Artista - Sus obras


ARTE Y MEDIO AMBIENTE

Cristina Boccadoro, trabaja

El artista utiliza materiales reciclados para sus obras, especialmente papel, ensamblados con colas y pigmentos ecológicos, en su mayoría a base de agua.

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Versatilidad, eclecticismo y contaminación caracterizan la trayectoria artística de Cristina.

Esta artista ama profundamente los materiales reciclados y la madera cuya historia y alma imagina mientras admira sus vetas.

La creatividad disruptiva de Cristina y su necesidad de sintetizar la tradición del Valle de Aosta con su visión artística la impulsaron en 2008 a crear su propio estilo: el Bois Collage.

Gracias a esta técnica única y sofisticada, Cristina ensambla piezas de madera de objetos antiguos y en desuso y otros materiales para crear cuadros y accesorios de decoración únicos.

Cristina Cancellara es del Valle de Aosta por adopción, se licenció en el IED de Milán como ilustradora, asistió a cursos de pintura porcelánica y colaboró ​​con varios estudios de diseño de tejidos. En 2008 creó su propio estilo y a lo largo de los años ha tenido talleres tanto en Valtournenche como en Saint-Vincent.

"Fé sen que te plé é te travaille gnenca eun dzô de ta viya"


¿Quién es el artista Blu?

Para hacer el suyo biografía breve y conciso: no sabemos cómo se llama, ni dónde nació, ni cuántos años tiene. Se cree que es originario de Senigallia, pero sin duda Bolonia ha jugado un papel muy importante como ciudad a lo largo de su carrera. Fue en 1999 que Blu comenzó a darse a conocer a través de una serie de grafitis realizados entre el centro histórico y el nivel 57 del centro social. Bolonia que en 2016 Blu desató un escándalo mediático increíble, luego de una acción coordinada con otros artistas callejeros para el cancelación de algunas de sus obras, destinado a ser retirado de la calle, para ser incluido en la exposición "Arte callejero, Banksy & Co". Este gesto fue un fuerte no a la privatización del arte urbano, que para el artista callejero es y debe ser siempre libre, democrático, accesible a todos.

Obra de arte: Spirale - Fuente: Goldworld

Desde 2001, Blu ha comenzado a abandonar paulatinamente los aerosoles, para utilizar pinturas al temple aplicadas con rodillos, que le han dado el aspecto con cuerpo y rico que caracteriza a sus obras.

A lo largo de los años ha colaborado a menudo con otros artistas, como Dem, Ericailcane, Run y ​​también ha participado en proyectos llevados a cabo por galerías de arte, pero sin distorsionar nunca su idea de arte callejero público, calle.

Blu es un artista italiano, pero su herencia artística es internacional: de hecho, sus obras pueden ser admiradas no solo en Módena, Milán, Roma, Florencia, sino también en América del Sur, Palestina, Austria, Dinamarca, Alemania, Atenas, Valencia, Londres y otras ciudades.


Christo, las obras más bellas del artista. FOTO

Murió el 31 de mayo de 2020, sus instalaciones habían viajado por todo el mundo desde "The Floating Piers" en el lago Iseo hasta "The Gates" en el Central Park de Nueva York. Éstos son algunos de sus más famosos

Christo Vladimirov Javacheff, conocido solo por el nombre de Christo, murió el 31 de mayo de 2020 a la edad de 84 años. El artista búlgaro-neoyorquino es uno de los máximos exponentes del Land Art y sus instalaciones han recorrido el mundo

Su obra más famosa en Italia es sin duda "The Floating Piers", la impresionante obra que apareció en el lago Iseo en junio de 2016.

Otra famosa obra flotante suya es la que apareció en el lago Serpentine de Londres en junio de 2018: "The London Mastaba", inspirada en las tumbas monumentales egipcias, realizada con más de 7 mil barriles de petróleo.

Luego está "The Gates", una serie de puertas terminadas en febrero de 2005 en Central Park en Nueva York.


Índice

En 2010 creó una exposición-instalación para la Lu.C.C.A. Museo [6]. Con sus obras propone estructuras que sugieren aperturas hacia otras dimensiones.

En 2011 creó una re-performance y un proyecto fotográfico titulado Living Restraint inspirado en una obra performativa de Matthew Barney, presentado en marzo de 2011 en una jornada de exposición organizada por el artista en su laboratorio de Roma y posteriormente expuesta en Estambul. Art Fair 2011 .

Continúa su investigación sobre la percepción de la realidad en dos dimensiones y sobre la posibilidad de trabajar sobre partituras musicales como sobre imágenes con el proyecto Trueman, una postproducción de audio-video presentada en una exposición, en diciembre de 2011, en el espacio expositivo de la Oficinas de Baker & McKenzie en Munich.

En abril de 2012, una escultura del proyecto Paradigmi pasó a formar parte de la colección de arte permanente de la Cámara de Diputados [7].

El Proyecto Estatal Garbage Patch Editar

En 2012 lanzó una obra monumental de arte contemporáneo que denominó Wasteland [8], un proyecto de arte transmedia que aborda el problema de las inmensas manchas de desechos plásticos dispersos en los océanos, más conocido como Pacific Trash Vortex [9]. La idea básica es incluir estos "territorios" en un estado federal: el Proyecto Estatal Garbage Patch [10] [11]. "Si la gente ignora el parche de basura es porque no tiene una imagen visible de él, entonces se me ocurrió la idea de crear un estado para estas superficies marinas formadas por plástico extendido por un total de dieciséis millones de cuadrados". kilómetros. límites geográficos del planeta, por lo que comencé a construir una nueva geografía de la tierra a través de imágenes ”, dice el autor en el catálogo de la obra. [12]

En presencia del Director General y otras autoridades de la UNESCO, el 11 de abril de 2013, Maria Cristina Finucci plantó la bandera del nuevo estado y pronunció el discurso de inauguración [13] del Garbage Patch State en su instalación que reproducía una de las islas de plástico que ocupaba la gigantesca “salle des pas perdus” en el edificio principal de la UNESCO. Fue el comienzo oficial de la ópera Wasteland.

En la Bienal de Venecia, el estado Garbage Patch State, como la mayoría de los demás estados, tuvo su espacio en el patio de la Universidad Ca 'Foscari [14] del 29 de mayo al 24 de noviembre de 2013. Miles de tapas de plástico de colores sobresalen de la pared circundante. del palacio del siglo XV en un intento de verterse en la laguna.

En 2014, el Garbage Patch State se presentó en Madrid con una instalación pública en la Gran Vía con motivo de ARCO [15], la esperada feria internacional de arte. La obra, patrocinada por Endesa e IED, consta de una "sábana" de 12 metros de largo que cuelga sobre los transeúntes, formada por un tejido de botellas de plástico que contienen semillas de flores en ciernes, que por la noche se ilumina con la luz de los destellos. Al mismo tiempo, los alumnos del IED del arquitecto Izaskun Chinchilla también crearon una obra inspirada en el Garbage Patch State.

Con motivo del Primer Día Nacional de su estado, el 11 de abril de 2014 el artista llevó una nueva instalación del ciclo Wasteland a la plaza MAXXI de Roma y montó la primera Embajada [16]. Un proyecto impulsado por MAXXI Educational, en colaboración con el Máster en Diseño Expositivo y Público de la Universidad de Roma "La Sapienza".

Del 29 de septiembre al 17 de octubre de 2014, Garbage Patch State hace su entrada en Nueva York en la Sede de las Naciones Unidas [17], lugar simbólico de la voluntad de paz, cooperación y desarrollo de todos los pueblos de la tierra.

Como parte de los eventos colaterales de la EXPO 2015 el artista, encargado por la Fundación Bracco, el 15 de junio de 2015 inaugura la instalación "Vortice" [18] en Milán, patrocinada por el Ministerio de Medio Ambiente y Protección del Territorio y los Mares y con la colaboración de la Universidad Roma Tre. La obra sigue presente en la colección permanente de la Fundación Bracco.

En el mismo año en el Aquae Venezia Pavilion, un nuevo animal misterioso formado por plástico disperso en el mar, el Bluemedsaurus, entra y sale arrastrándose por las paredes de la sala de la Bluemed ​​High Level Conference.

Arrastrándose por las conciencias de los residuos y las montañas de residuos europeos, la serpiente de plástico [19] llegó a París y se manifestó ante los Jefes de Estado y de Gobierno de la COP 21 Climate Conference gracias a Acciona, líder mundial en energías renovables y el Nuevo York Times que acogió a la "criatura" para su conferencia.

En 2015, Garbage Patch State se incluyó en el "Atlas de micronaciones" de Graziano Graziani (Quodlibet, 2015).

La historia continúa en Mozia (Trapani) con la instalación monumental [20], junto con el Terzo Pilastro - Fundación Italia y Mediterráneo. El trabajo consiste en el montaje manual de más de 5.000.000 de tapones de plástico de colores usados ​​encerrados en gaviones metálicos, que delinean la palabra AYUDA en la zona arqueológica de la isla.

En el Día Mundial de la Tierra 2018, Maria Cristina Finucci firmó la Agenda 2030 de la ONU [21] para el desarrollo sostenible en nombre del Estado Garbage Patch, proponiendo 17 objetivos globales para reducir el impacto ambiental de nuestra presencia. En el momento de la firma también estuvieron presentes el ministro italiano de Medio Ambiente, Gianluca Galletti, y el portavoz Enrico Giovannini.

Del 8 de junio al 29 de julio de 2018, con la promoción del Parque Arqueológico del Coliseo y el apoyo de la Fundación Bracco, se instala un segundo majestuoso HELP [22] en uno de los lugares más sagrados de la antigua Roma y uno de los más visitados de mundo, el Foro Romano. La obra está formada por un conjunto de gaviones de malla metálica, puestos a disposición por la empresa Maccaferri, cubiertos con un bordado de seis millones de tapones de plástico de colores. Por la noche, el gigantesco letrero se ilumina, gracias a Enel y Enel X, y también es visible desde via dei Fori Imperiali. Se trata de un enigmático sistema arquitectónico que recuerda la sintaxis constructiva de la antigua arquitectura romana, pero cuyo material de construcción no es la piedra, sino el plástico. Simboliza una llamada de auxilio desde nuestra época histórica, finalmente consciente de su propio proceso de autodestrucción.


VIDA Y OBRA DE FRANCIS BACON: RESUMEN EN DOS MINUTOS (DE ARTE)

1. Francis Bacon (Dublín 1909 - Madrid 1992) fue uno de los pintores más famosos del siglo XX. Sus obras, despiadadas y atormentadas, expresan violentamente el condición existencial del ser humano.

2. Francis Bacon nació en Dublín en una familia inglesa rica y noble. Su padre, capitán de la infantería ligera del ejército británico, incluso ostentaba un linaje con el célebre filósofo Francis Bacon. El hombre, tiránico y marcial, siempre vivirá un relación conflictiva con el niño, considerado débil y poco masculino.

Francis Bacon, Crucifixión 1933

3. Francis Bacon, de hecho, sufría de unaforma aguda de asma lo que le impedirá asistir a la escuela con los demás chicos y, años después, no le permitirá participar en la Segunda Guerra Mundial.

4. En la adolescencia, el joven Francisco muestra abiertamente su propia homosexualidad, lo que enfurecerá tanto al padre que tendrá que sacar a su hijo de la casa cuando solo tenía dieciséis años.

Esto llevará a Bacon a trasladarse a Londres, para luego visitar las ciudades de Berlín y París, metrópolis que jugarán un papel clave en su formación artística.

5. De hecho, en París Bacon tiene la oportunidad de admirar las obras de los grandes Picasso: quedará impresionado. A su regreso a Londres para ganarse la vida trabaja como diseñador de interiores, diseñando muebles de estilo Deco.

6. En 1933 pinta Crucifixión(arriba), una de sus obras más conocidas. Será notado por el crítico Herbert Read y aceptado en una exposición colectiva de la Mayor Gallery, en Londres. A esto le seguirá una exposición individual en 1934 que, sin embargo, no tiene éxito. En sus años de madurez, Bacon destruirá muchas de sus pinturas realizadas en su juventud.

7. En la década de 1940, su estudio en Londres se convirtió en un punto de referencia para artistas, intelectuales y apostadores. En estos años Bacon lleva una vida derrochadora, perdido en los vapores del alcohol y agobiado por las deudas.

En 1944 hizo el tríptico Tres estudios para figuras en la base de una crucifixión, una obra que le abrirá las puertas del éxito.

Francis Bacon, Tres estudios para figuras en la base de una crucifixión, 1944, Londres, Tate Gallery

8. A partir de este momento, sus obras despertaron un interés creciente, lo que permitió a Bacon vivir entre Londres y la Riviera francesa, jugando a las cartas y pintando.

Entre 1948 y 1949 realizó la serie Jefes (al final del artículo) y de 1949 a 1956 pintó veinticinco papas para la serie Papas, en el que destaca la obra maestra Estudio sobre el retrato del Papa Inocencio X de Vélazquez (1953), transposición del célebre cuadro del artista español (1650) en el que el rostro transfigurado del Papa es un grito que expresa la angustia existencial de la sociedad de la época.

Francis Bacon, Estudio después de Velàzquez Retrato del Papa Inocencio X, 1953, Es Moines Art Center, Des Moines (Iowa)

9. En 1962 su éxito se legitimó con uno importante retrospectiva en la Tate Gallery de Londres. Sin embargo, este evento se verá empañado el día antes de la inauguración por el muerte prematura de Peter Lacy, Amante de Bacon.

Otro duelo golpeó a Bacon en otro de sus momentos de gloria: en 1971, en vísperas de una extraordinaria exposición en el Grand Palais, murió George Dyer, querido compañero del pintor británico.

10. Francis Bacon murió en Madrid en 1992 de un infarto provocado por su asma crónica estudio en South Kensington en Londres será heredado por la Dubli City Gallery, que lo custodiará con el cuidado con el que se conservan los hallazgos arqueológicos.

"Somos cadáveres potenciales" (Francis Bacon)


El arte de Ashley Longshore es el más querido por las estrellas estadounidenses (y también está conquistando a los coleccionistas)

Su galería son los escaparates de las megatiendas, Instagram es su mercado

El New York Times él lo llama con gracia "La última moda del arte querido", y publica una foto tomada en el Garden District de Nueva Orleans en la que, de pie en un sillón de tamaño gigante, con un collar de perlas de tamaño realmente gigante, ella parece una excéntrica. Liliputiense. El estadounidense de 39 años Ashley Longshore, artista depende de un carácter explosivo y de un arte "que no puede ser más pop". Está cambiando las reglas del mercado, eludiendo el sistema tradicional de túneles, así como muchas reglas de Bon Ton. En la presentación de su perfil de Instagram (que para ella es como cabello para Samson…) inmediatamente se presenta como un contundente: “F ** k es mi palabra favorita. Me río todo el día. Comparte este hijo de puta. Me importa una mierda”.

En definitiva, no es solo su arte el que ha conquistado un amplio abanico de públicos, sino también su personalidad un poco "¿A quién le importa?", El lenguaje explícito con el que su alma feminista grita al mundo. La suya es una batalla diaria, aunque brillante, que comienza todos los días a las 5.30, cuando suena la alarma: “Por la mañana, en cuanto abro los ojos, agarro el teléfono y, de camino al baño, inmediatamente comience a enviar correos electrónicos. Hago pis, me pongo el body, las perlas, me pongo las gafas de sol y ya es hora de estar operativa ", cuenta a la New York Times.

Sus obras psicodélicas (pinturas, muebles de diseño, videos) incluyen toda la imaginería figurativa del mundo visto por sus ojos. ¿La principal inspiración? Cultura pop, los rostros más icónicos flanqueados por escritos provocativos, todos inmersos en la máxima saturación de color. Entre los personajes inmortalizados por Ashley Longshore, Kate Moss, envuelta en un vestido de abadesa con un colorido maquillaje, Anna Wintour, retratada de varias formas (la versión más divertida es aquella en la que lleva una camiseta que dice "Me follaría"), Lil Wayne con su sonrisa de metal y la chaqueta tachonada con el símbolo del dólar, Abraham Lincoln con una chaqueta floral y una barba de colores y Frida Kahlo retratada en algunas piezas como una reina y en otras como una virgen. Los de Audrey. Una serie de retratos en cambio, es la serie pictórica que rinde homenaje a la icónica actriz cuyo cabello, siempre representado de perfil, está adornado con peces, flores, pájaros exóticos y mariposas de todo tipo (no podemos perder una fuerte referencia al estilo de Klimt).

Lejos de las galerías y lugares más tradicionalmente dedicados al arte, ha elegido en cambio -con razón- los escaparates para lucirse. Y no escaparates al azar, sino los de Bergdorf Goodman, la famosa mega tienda de lujo de la Quinta Avenida de Nueva York, donde, en enero, fue la primera en exhibir sus obras. Entre Colectores Ahsley Longshore no faltan celebridades, como Blake Lively (la ex Serena van der Woodsen de Chica chismosa) con su apuesto esposo Ryan Reynolds, Penélope Cruz, el diseñador Christian Siriano y los estilistas June Ambrose y Jenke Ahmed Tailly, que incluyen a Beyoncé y Kim Kardashian entre sus clientes.

No te ves gordo, te ves loco Una guía sin remordimientos para ser ambicioso es el libro inspirador que escribió para infundir valor y ambición en las mujeres. Su figura destaca en portada como una Mujer Maravilla. orgullosamente curvilíneo que vigila un paquete de galletas, en primera línea para exorcizar con ironía al demonio de la obsesión por el peso. Según el New York Post, hasta el momento una cantidad sustancial de sus obras se han vendido a través de Instagram, por un ingreso de hasta 30 mil dólares.

"Es algo gracioso: puedo publicar algo como una foto mía rociando purpurina en un lienzo negro e instantáneamente recibo mensajes y la gente me envía un correo electrónico. Me dicen: Dios mío, Ashley, ¿vas a ponerle resina? ¿De qué color es? ¿Cuándo estará terminado? " explica. "Con el uso de las redes sociales, los artistas permiten que el público entre en el proceso creativo y a la gente le encanta".

Sus coleccionistas son también sus mejores amigos, según él "el viento de su vela". Luego creó una membresía (idea copiada por Jeff Koons) en la que registrarse y recibir cada año obsequios especiales, gadgets y postales, autografiados por ella misma. ¿El nombre de su red? ARTGASM (¡y no nos sorprende!).


Video: Entrevista a Cristina Iglesias. Exposición CRISTINA IGLESIAS: ENTRƎSPACIOS. Centro Botín